罗伯特·舒曼的艺术歌曲有哪些

1．《A小调钢琴协奏曲》第二乐章

钢琴是舒曼心爱的乐器，他没有能够成为杰出的演奏家，但是却写出了诸多优秀的钢琴作品，而妻子克拉拉也是他作品最理想的诠释者，这种亲密和谐的关系为我们带来了一首首经典的钢琴杰作。《A小调钢琴协奏曲》是他作品中最辉煌的一部，是他向克拉拉表达无限爱意的作品，这部作品倾注了作曲家热情的心灵和高昂的激情，是一部巧妙与激动人心的古典作品，也是演奏家们钟爱的作品。

如果仅仅听从音乐的流动，人们会感受到这首作品音乐的流畅，丝毫感觉不到这首作品的写作其实是在两个阶段写成。第一乐章写于舒曼创作力旺盛的1841年，那一年他完成了第一交响曲。写作这部作品的时候，他将其称之为“协奏幻想曲”，当时无法将作品继续完成的原因是他始终无法为作品寻找到出版商。直到1847年，他才为作品写了一个动人的小行板和一个终乐章而结束了这部作品。作品的首演是由克拉拉在德累斯顿演奏，斐迪南·希勒指挥。经过克拉拉在布拉格、维也纳的演出，作品后来被众多著名钢琴演奏家接受，在舒曼的作品中，这部作品永远是他演出率最高的作品之一。

在这部被舒曼称之为“介乎交响曲、幻想曲、协奏曲和大型奏鸣曲间的”作品，并没有承袭传统的曲式结构，在没有做理论研究的情况下，仅从听觉来看，会感觉到作品的开始十分简洁，结构精练，没有惯常开头的全奏——即由钢琴和乐队将主题分别演奏的呈示部，而是将钢琴与乐队以单刀直入的方式直接进入主题，而这种做法随着乐思的发展，更加凸显了舒曼极富浪漫色彩的音乐变化而不显得臃长和罗嗦。舒曼的钢琴作品，虽然一直要求演奏者发挥自己的演奏技巧，但是却并不为此牺牲作品的整体性与旋律的优美。第一乐章完全是舒曼创作构思体现得最完整的作品。接下来是本片节选的第二乐章，这是一首优雅、舒缓的间奏曲，有着室内乐固有的温柔气质。乐章开始是独奏钢琴同乐队的对答，这个对答的主题在整个作品中起着很重要的作品，无论是第一乐章还是末乐章的主题，都是由这个主题发展而来。这个乐章十分简短，音乐发展到中段，钢琴与大提琴组不断交替的对唱好像是一首安静深沉的歌曲。虽然舒曼本身不能成为钢琴家，但是他却将钢琴的轻巧机灵和蕴藏的激情力量发挥出来。在这部作品的前两个乐章中，钢琴丰富的表情，时而抒情，时而激情，有时又有些忧伤，有时也充满力量。第二乐章安静的结束与第三乐章有力的开始结合得十分紧密，这在很大程度上突出了乐章不同性格的对比。

2．《引子与热情的快板》

舒曼作品的浪漫气质不可否认，只要我们再听这首《引子与热情的快板》又可以印证。这部小型的协奏曲是1849年为克拉拉创作，这个时候的舒曼正热衷于声乐和戏剧音乐(《迷娘安魂曲》、《歌德的浮土德中的场景》、《曼弗雷德》)这部作品在当时因为演奏者的出色表演而得到了更多的关注。但是这类作品的时间大致为15分钟左右，并不适合于标准化的音乐会。因此这部作品在音乐会上的流传较少也可以得到理解。在《引子与热情的快板》的主要主题中，我们可以欣赏到舒曼浪漫气质的激情突破。在钢琴悠然的旋律中，美丽的号角声慢慢升起，一幅充满幻境的景色油然而出，钢琴不仅作为主奏出现，又可以作为伴奏附以缓慢的琶音，管弦乐团洪亮的音色也具有丰富的色彩。必须再次提出的是，舒曼在本曲中将音乐的强烈对比以及结构的控制仍然十分出色。虽然这首作品的篇幅比之传统协奏曲规模小，但是它仍然是为演奏高手创作的。巴伦博伊姆在这首乐曲和上一首的演奏上，在乐曲抒情以及轻灵之处控制得十分很好，但是在快板或快速乐曲的地方，略显急躁，不够沉稳，但是总体还算中规中矩。

3．《四支圆号的F大调音乐会曲》第一乐章

这首《音乐会曲》的命运与《引子与热情的快板》类似，同样是一首几乎已经从音乐会上消失的作品，并不有损其成为优秀作品的本质。1849年2月，舒曼在德累斯顿创作了这首《音乐会曲》，当时的舒曼作为合唱指挥在德累斯顿生活，据说，舒曼创作这部作品很有可能是受到德累斯顿管弦乐团优秀素质乐手的鼓励而作。这部作品的首演是在一年后的莱比锡布商大厦。这是一首成熟的作品，舒曼本身也对自己的这部作品十分钟爱——虽然这是他最受忽视的一部作品，演出机会少得可怜。对于那些对音乐会上重复出现的作品失去耐心的人来说，收录这首并不常见的圆号曲目就显得有吸引力得多。

《音乐会曲》由三个独立乐章构成，乐章之间由连接部贯穿。以圆号本身的特点来猜度，这是一部声音宏伟壮丽的作品，舒曼确实也是这样做的，他充分利用主题以及对位的手法完成四支圆号与乐队之间的呼应，要做到这点并不容易，因为并不常做独奏出现的圆号声音浑圆，它被一个编制有一支短笛和三支长号在内的大型管弦乐团所包围。四支圆号在开始处即发出嘹亮的号角，像舒曼惯用的方式，这里直接采用独奏组而抛弃了传统的全奏，的确是十分简洁明了的一种做法。管弦乐在嘹亮的号角之后，接着将主题扩展，紧随其后的是四支圆号演奏的新主题，这个主题仍然凸现于宏伟壮阔的乐队声中。舒曼在这里充分展示了他掌握乐队的才华，他将各种乐器之间竞奏，乐器音色之间的相互作用充分展现，遗憾的是这部作品在不知不觉中被人们所遗忘。

4．《A小调弦乐四重奏》第四乐章

1842年6月，尽管当时的舒曼正在同沮丧和焦虑斗争着，但他还是在创作力不可思议爆发的两周内创作了作品41号的三首四重奏作品经过了一个短暂的假期之后，舒曼开始继续创作他的室内乐作品一一《钢琴五重奏》(作品第44号)、《钢琴四重奏》(作品第47号)以及为小提琴、钢琴和大提琴(钢琴三重奏)而作的《幻想曲》(作品第88号)。

罗伯特·舒曼是浪漫主义的中心人物，他的音乐充满了自我的个性表现，抒情风格以及超出音乐之外的联系一一个人的和文学的一一这使他成为最具代表性的浪漫主义作曲家。尽管舒曼的创作大都是钢琴音乐和艺术歌曲，但他的室内乐作品却蕴含着他最具才华和灵感的音乐。舒曼以惊人的速度完成了这三部弦乐四重奏的创作，这强烈的创作激情和灵感的爆发与他之前仔细研究海顿、莫扎特和贝多芬的四重奏作品以及巴赫的对位法技巧密切相关。这三部四重奏在四重奏的创作艺术上继承了舒曼的音乐先辈们的影响，但却具有自己独特的严格朴素的对位结构。

演奏这首四重奏的圣劳伦斯弦乐四重奏团对舒曼的作品有着仔细的研究和自己的音乐态度。像大多数专业音乐家一样，他们通常不会将音乐冠之以更多乐外的故事，将一位作曲家的个人生活同他或她的音乐相互限定在一起的做法，他们通常是十分谨慎的，但对于舒曼而言，音乐和人生的融合是难以分割的，圣劳伦斯弦乐四重奏团的第二小提琴手巴里·希夫曼说，“演奏时想到整部四重奏就是他对克拉拉的清澈且毫不掩饰的爱的倾注，这感觉真是美妙极了。”

有一种声音认为舒曼的三部弦乐四重奏并非以弦乐乐器为主而创作的，圣劳伦斯弦乐四重奏团并不认同。“你必须去喜欢它们独有的特质，”团员希夫曼说，“人们总是说《A小调四重奏》的最后一个乐章听上去像是为钢琴而作的。”——它看上去有着舒服的琴键组合，却要难受地躺在弦乐乐器之上。但是当你接受了舒曼的特质之后，希夫曼说：“那些所谓的‘问题’元素事实上都会变成作品独一无二、美妙动人的特色所在。”他觉得舒曼三部四重奏的钢琴式的写作包含着“令人难以置信的旋律柔韧性和灵活性——近乎于钢琴式的散板”的关键，而正是这一点使得这部作品如此生动。

5．《D小调小提琴协奏曲》第一乐章

《D小调小提琴协奏曲》是一部十分有意义的作品，原因在于，这是在舒曼逝世长达80年之，才被加进他的协奏曲演奏名单中的。1853年，在他患精神病前的几个月，他创作了自己的最后一部作品，就是这首小提琴协奏曲。谈论这首作品的故事似乎比讲解音乐本身更有意思，从中我们可以看出舒曼最后阶段的创作状态以及他极为令人痛惜的生命，而当我们听这首作品时，也会带着不同的心情去欣赏。舒曼去世后，妻子克拉拉和他们最好的朋友约阿希姆、勃拉姆斯决定不出版这部作品。作为舒曼的好友以及小提琴作品的主要演奏者，约阿希姆在给传记作者莫泽尔的信中提到这部作品时说，“我没有心情谈论它，因为作品注明的创作日期是我亲爱的老师和朋友精神病发病前六个月完成的”，那么在作品中舒曼是否已经有了病状的出现呢?约阿希姆说：“尽管舒曼依旧以理智的力量努力驾驭作品，但必须憾地承认，作品中的确有些沉闷的迹象……”约阿希姆长期以来都是舒曼小提琴作品的当然演奏者，这份不予出版的作品总谱就在他的手中，怀着对朋友的崇敬和怀念，他始终抱着复杂的心态谈论这首曲子，让我们听听他的看法，这远比分析文章更具说服力：

“关于第一乐章，有一些难以捉摸的东西，有时候莽撞地开始，有时候唐突地结束；在最初的全奏中，这是很有影响的，像是第二乐章的快速引子，优美的主题伴随着美丽轻柔的旋律一一这正是舒曼的风格!但是，还没有发展为任何使人耳目一新的东西。第二乐章小提琴富有表情的旋律，实现了大师幸福的梦境，任何时候都一样温暖与亲切。尽管说这些时，我的心在留学，这种美好的幻想被忧郁的沉思代替，水流停滞了，尽管主题蜿蜒曲折；接着，好像作曲家自己也渴望摆脱这单调乏味的反思，为了向最后乐章过渡，他振作起自己加快速度……”通过约阿希姆的描述，我们对舒曼的有关情况有了清晰的了解。处于发病边缘的舒曼在病痛夹击下的自卫就是尽可能更多的创作。他本身具有的灵气使他在不可思议的时间内创作出了一部杰出的作品。1853年9月21日开始创作，仅仅12天之后，10月3日他就结束了全部三个乐章的写作。即使是濒干患病的边缘，舒曼也并没有丧失作品个性中的坦率、热情和无限的感染力，虽然这部作品从技巧效果来看没有做出多少新鲜之处，但是这首乐曲在吉东·克莱默的演绎下，依然有着令人动容的魅力，让人情不自禁地对舒曼早逝的生命叹息。

6．《童年情景》之“梦幻曲”

钢琴是舒曼自己的乐器，他喜欢弹钢琴就像写日记一样，他用音符将自己心中的情感一一吐露。在他创作生涯最初的十年中，除了钢琴曲之外没有其他形式的作品。只要有可能，他都会通过钢琴来探索歌曲和室内乐、协奏曲的作品。除了舒曼本身对钢琴的热爱之外，他的妻子一一克拉拉作为当时最著名的钢琴演奏家也在某种程度上促成了舒曼的钢琴写作。由于学习钢琴时间较晚，再加上方法不对，舒曼的右手练琴致残，不能成为杰出演奏家的作曲家使舒曼有别于贝多芬、李斯特和肖邦，但是也使他在创作中不过分追求华丽技术，而是创作出精巧美妙的钢琴作品。他的创作思源总是一些短小精悍的乐句，旋律总是汇编成愉悦、欢快的琶音音型，他很少使用键盘中最高音和最低音，两只手永远不会离得太远。这些表面化的特征容易使人们忽视他的作品，认为过于精细和集中，没有大篇幅的渲染和夸张的技术，但这恰恰是舒曼作品的特质。

本片选取的这首“梦幻曲”是每一个音乐爱好者熟悉的作品，这首作品堪称简朴的典范。这首乐曲短小却结构精致，和声十分简单，节奏是其精彩之处的点睛之笔。乍看之下的4／4节拍实际是4／5拍，如果演奏者将重音按照4／4做处理，将会完全破坏整个乐曲内在的平衡感。

《童年情景》中的13首乐曲是成年人对童年时代的回忆，分别是《恐吓》、《炉边》、《捉迷藏》、《乞求的孩子》、《木马骑土》等，作为一部组曲，它拥有舒曼固有的朴实无华与简练有力的形式，是一套极为精致的钢琴作品。这首梦幻曲在演奏时气息与节奏控制得十分舒服，不但诠释出优美的旋律，还给人以遐想的空间。

7．《幻想曲》之“翱翔”

《幻想曲》时舒曼1837年春夏之际完成的作品，题献给一位喜欢舒曼的年轻女钢琴家安娜·罗蓓娜·雷洛。与以往的习惯一样，舒曼仍然在完成作品之后给作品加上了题目，而并不是 “命题作文”。《在黄昏十分》、《翱翔》、《奇想》、《为什么?》、《在晚上》、《寓言》、《梦的纠缠》这些题目都十分恰当，并且曲子本身也十分明确，极易理解。节奏、织体和旋律都是舒曼钢琴创作的精华。活跃快速的钢琴曲《翱翔》在阿格里奇率性的演奏中自由自在，阿格里奇在演奏作曲家的作品时，都会深深打上自己风格的烙印。这首乐曲本身即是一个快速的曲子，相对于纳特3分5秒的时间，阿格里奇2分44秒风驰电掣般的演奏多少令人感到过于急促。

8．《降E大调钢琴五重奏》第三乐章

“它永远贯穿人类生命的始终目标一旦被达成也就不再是一个目标了，我们树立目标并为之奋斗，希望能达到更高，直到我们闭上双眼，我们的灵魂筋疲力尽，安睡于坟墓……”舒曼刚刚18岁时便以如此成熟的口吻在给他母亲的信中写道，她一定不会想到，这段话正预示着舒曼的一生。作为一名钢琴家的舒曼，爱上了年轻、才华横溢的钢琴演奏家克拉拉·维克，当时的舒曼满足于不时创作一些钢琴曲的生活，直到1840年，当他同挚爱的克拉拉结婚之后，他开始将自己的创作范围扩大，用音乐表达他内心的爱意，年复一年，他创作的双翼不断伸展，从管弦乐、室内乐到清唱剧，甚至还包括一部歌剧。

实际上，当舒曼还是少年时就创作了一首C小调钢琴四重奏短曲，大约十年之后，他又创作了两首弦乐四重奏作品(已失传)。但是直到1842年舒曼32岁时，室内乐才成为舒曼创作的首要目标。在1842年7月他创作出自己的三部室内乐之前，舒曼详尽通彻地研究了海顿、莫扎特和贝多芬的作品，这三部室内乐得到了热烈的好评，尤其是舒曼的好友门德尔松。这三部作品还证明了一个重要的事：他再也不会在他的室内乐中把自己和克拉拉挚爱的钢琴排除在外。在舒曼之前，没有作曲家尝试过将钢琴和弦乐四重奏结合在一起的做法，舒曼胆地进行革新，于1842年9月25日开始创作自己的降E调钢琴五重奏(作品第44号)，10月12日这部作品创作完成，由于当时克拉拉正值怀孕期间，身体不适，于是由门德尔松担任钢琴演奏在当年12月6日进行了私下的试演。

奏鸣曲形式作为主题的开场乐章“辉煌的快板”以紧密连贯的姿态涌流开始。第一主题的音乐最初是坚决的和弦，很快便融化为舒缓的抒情旋律。第二主题依然是更加个人的风格，舒曼明智地把在中部发展部省略掉的相互缠绕的弦乐放在此处，将主题不断延伸，降E大调在慢速乐章以奏鸣回旋曲的形式让与C小调。在第二乐章“进行曲般，逐渐宽广的”中，复现的主题旋律以葬礼般沉重的气息低沉的进行，这黑色的沉重气息随后便被第二主题令人舒缓的抒情旋律所缓和。戏剧般闯入的F小调快速而激动的中部插曲由一段借用自第一乐章转折的简短的递降低音主题引入。第三乐章“诙谐曲：很活泼的快板”重新使用降E大调主导乐曲，令人惊奇的在升降音阶之间转换，有如奇迹般。这个乐章由两个相互对照的三重奏组成，其中第一个三重奏由开场乐章第一主题的起始部分巧妙的转化而来，以反转的方式进行。舒曼不断增长的通过互相引用和主题转变的方式对整体统一的要求在令人兴奋的结束乐章从容的快板中又一次得到了印证。结尾乐章以延伸的，大胆变调的奏鸣曲主题形式出现，并借用第一乐章主题旋律的结尾部作为点睛，这个借用的结尾部和结束乐章自己主题的赋格部分形成主题对照。纵览古今，再没有比舒曼的这个对位创意更加大师级的创作了。本版唱片的演奏是一个明星阵容，阿格里奇、今井信子、麦斯基，室内乐所需要的音色、以及乐器之间的协调合作在这里得到最好的体现。